Explorar:
Historia y origen del cine
Historia y origen del cine. La aparición del cine
ocurre el 28 de diciembre de 1895, y se atribuye a los hermanos Lumiére, que
proyectaron imágenes en movimiento frente a un auditorio. El suceso provocado
por el invento, llevó a una rápida evolución del mismo, y para 1899, ya se
había producido un filme de 15 minutos.
El cine es una técnica de proyectar fotogramas en una
secuencia rápida que simula el movimiento. La palabra cine, viene del griego y
significa movimiento.
El origen del cine se remonta al 28 de diciembre de 1895, cuando
los hermanos Lumière, proyectaron imágenes en movimiento frente a una
audiencia. También produjeron una serie de cortometrajes documentales que
tuvieron gran éxito en su momento, con temáticas como obreros a la salida de
una fábrica, un jardinero regando el césped, la olas rompiendo en la orilla. Su
cortometraje más impresionante fue el de un tren del correo avanzando hacia el
espectador, lo que producía gran conmoción en el público
El origen del cine, las primeras películas:
En 1896, el ilusionista
francés Georges Méliés, demostró ya en el origen del cine, que este
instrumento servía no sólo para reproducir la realidad, sino que podía
falsearla, con lo que surgió el cine de una sola bobina.
Méliés rodó el primer filme de
larga duración, de quince minutos, “El caso Dreyfus” (1899) y en 1900, filmó
“Cenicienta” de 20 escenas. Pero sus filmes más notables son “Viaje a la luna”
de 1902, “Alucinaciones del barón de Münchhausen”, donde experimenta con los
trucos fotográficos. Descubrió que si se detenía la cámara en medio de una toma
y se reorganizaban los elementos de la escenografía, antes de continuar, se
podía crear la ilusión del movimiento de objetos, o la desaparición, entre
otros. También experimentó con superposiciones, retrocediendo la película antes
de comenzar la siguiente toma, de forma que se superpusieran las imágenes. Sus
cortometrajes obtuvieron éxito mundial inmediato.
En el estudio de Edison en
Estados Unidos, Edwin S. Porter unió el estilo documental de los Lumiére y las
fantasías de Méliés, para dar origen al cine de ficción. Produjo la primera
película norteamericana de interés, “Asalto y robo de un tren” en 1903, con una
duración de 8 minutos. Incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas
en distintos momentos y locaciones, componiendo una unidad narrativa.
Entre 1909-1912, Motion
Picture Patentes Company (MPPC), controlaba todos los aspectos de la flamante
industria del cine. Este grupo de productores limitó la duración de las
películas, que podían tener una o dos bobinas. Esta agrupación fue disuelta en
1912, permitiendo a las compañías independientes producir sus películas y
exhibirlas, lo que permitió la difusión del cine europeo de calidad en Estados
Unidos.
Para 1912, el cine italiano
era el más poderoso, con 717 producciones. Esto provocó la reacción de los
productores norteamericanos, que aumentaron la duración de las películas y
otorgaron mayor libertad a los directores. Esto motivó una expansión del cine
norteamericano.
Entre 1915-1920, las salas de
cine norteamericanas se multiplicaron, y la industria cinematográfica se
trasladó a Hollywood en Los Ángeles, donde productores independientes fundaron
sus propios estudios. (Thomas Harper Ince, Cecil B. De Mille, Mack Sennett).
La demanda creciente fue
cubierta con cientos de películas al año, en su mayoría, westerns, comedias de
pastelazos y melodramas elegantes.
Las sombras chinescas, precedente
del teatro de sombras, parten
de un juego popular basado en un efecto óptico teatralizado. Efecto que se consigue al interponer
las manos u otros objetos entre una fuente de luz y una superficie clara
(pantalla o pared), de manera que la posición y el movimiento de las manos
proyecta sobre el improvisado escenario sombras que representan figuras
estáticas o en movimiento. Constituyen una de las más antiguas artes del teatro
de títeres y marionetas
La linterna mágica es un aparato óptico, precursor del cinematógrafo. Se basaba en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía imágenes del exterior
haciéndolas visibles en el interior de la misma, invertiendo este proceso y
proyectando las imágenes hacia el exterior. Durante un tiempo se había
considerado aAthanasius Kircher como inventor del aparato, quien en 1646 publicó Ars
Magna Lucis et Umbrae (La
gran ciencia de la luz y la oscuridad) pero parece que hasta la segunda edición
de 1671 no hay ninguna descripción del aparato. La primera
referencia a un aparato capaz de proyectar imágenes sería un manuscrito deChristiaan Huygens de 1659.1
El
artefacto consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un soporte
corredizo en el que se colocaban transparencias pintadas sobre placas de vidrio.
Estas imágenes se iluminaban con una lámpara de aceite —aún faltaba mucho para el invento de la luz
eléctrica—, y para que el humo pudiera tener salida se dotaba al conjunto de una vistosa chimenea.
Una imagen panorámica es la que muestra un panorama (del griego pan, todo, y horama, vista), usualmente
paisajístico o arquitectónico, y que se distingue por el amplio horizonte
visual que cubre. Su elaboración ha ido cambiando a través del tiempo, desde
los paisajes pintados en cuadros, pasando por la fotografía clásica y la digital, hasta la edición o incluso la creación completa de
imágenes en el computador. Las posibilidades que el desarrollo tecnológico
brinda a las imágenes panorámicas se han expandido hasta permitir la existencia
de mundos virtuales tridimensionales, en los que se puede ingresar y
desplazarse para observar diferentes puntos de vista de la escena.
Un diorama es un tipo de maqueta que muestra figuras humanas, vehículos,
animales o incluso seres imaginarios como punto focal de su composición,
presentados dentro de un entorno y con el propósito de representar una escena.1
En
ocasiones se ubica delante de un fondo pintado de manera que simule un entorno
real, pudiendo completarse con efectos de iluminación. Se pueden representar
imágenes de la naturaleza, ciudades, eventos históricos, batallas, etc. bien sea con fines educativos o de entretenimiento.
El
término fue acuñado por Louis Daguerre en 1822 para un tipo de expositor rotativo. Fue popularizado a
fines del siglo XIX y principios del XX por Frank Chapman, conservador asociado del Museo
Americano de Historia Natural.2
En
algunas ocasiones la tercera dimensión —la profundidad o grosor— es muy pequeña
comparada con las otras dos, al estar destinada su composición a la observación
desde un punto de vista fijo. Es a éste tipo de presentación al que algunos
autores reservan en exclusiva el término diorama.}
Un praxinoscopio es un aparato similar al zoótropo inventado por Émile Reynaud en 1877 y patentado el 21 de diciembre
de ese año.1 El espectador del tiempo dijo mira por
encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando
ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas
alrededor. Como resultado la persona observa una secuencia nítida, una
animación estable donde las imágenes se fusionan y logran el efecto animado.
Para fabricar los praxinoscopios que luego vendería como juguetes, Reynaud
alquiló dos departamentos en París, uno de los cuales funcionaba como taller.
El invento recibió una mención honorífica en la Exposición Universal
de París de 1878.1
LA COMPRENSIÓN DEL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO
El lenguaje
cinematográfico o fílmico se caracteriza por utilizar unlenguaje exclusivamente audiovisual,
en él que intervienen diversas técnicas y elementos que constituyen un mensaje
meramente trabajado y estructurado. La información transmitida por este canal
informativo, es una información creada conscientemente, estudiada y tratada en
cada detalle, en cada elemento constitutivo del “lenguaje audiovisual”.
Para ser
conscientes de la información recibida debemosalfabetizarnos visualmente,
y conocer los elementos esenciales del lenguaje cinematográfico. El estudiante
una vez alfabetizado podrá completar su formación y su aprendizaje a través de
un medio multimedia de forma completa y activa, utilizando el lenguaje
audiovisual para aprender y entender el mensaje de forma global.
El lenguaje
audiovisual utiliza como medio de expresión los siguientes elementos:
- espacio
fílmico
- ritmo
fílmico
- tiempo
fílmico
- escala
fílmica
- luz
fílmica
- movimiento
fílmico
- sonido
fílmico
- tono
y color fílmico
- estructura
narrativa fílmica
- los
ángulos
Una imagen (del latín imago)
es una representación visual, que manifiesta la apariencia visual de un objeto real o imaginario.
Aunque el término suele entenderse como sinónimo de representación visual,
también se aplica como extensión para otros tipos de percepción, como imágenes auditivas, olfativas, táctiles, sinestesias,etc.
Las imágenes que la persona no percibe sino que vive interiormente son
denominadas imágenes mentales, mientras que se designan dibujo malo
como imágenes creadas (o bien como imágenes reproducidas, según el caso) las
que representan visualmente un objeto mediante técnicas diferentes:dibujo, diseño, pintura, fotografía o vídeo,
entre otras.
PALABRA
En gramática tradicional, una palabra es
cada uno de los segmentos limitados por delimitadores en la cadena hablada o
escrita, que puede aparecer en otras posiciones y que está dotado de una
función.
Lingüísticamente, el concepto de palabra es mucho más problemático de lo que la
definición anterior sugiere. En efecto, determinar qué constituye fonéticamente
o morfosintácticamente una palabra es un problema abierto; así, por ejemplo,
junto a los morfemas ligados y las palabras léxicas existen losclíticos cuyo estatus de palabra es discutido. En la cadena hablada
ordinariamente no existen pausas y la segmentación de palabras depende de
factores prosódicos difíciles de precisar. La rama de la lingüística que
estudia la composición y estructura interna de las palabras es la morfología.
La música es,
según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y
lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El
concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como
arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la
definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en
el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras
que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la
definición de este arte.
La música, como
toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro
puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, etc.).
El color es
una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los foto receptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético (la luz).
Todo cuerpo
iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja
las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el
cerebro como distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes.
El ojo humano sólo percibe las
longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. Con poca luz se ve
en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada
"superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el
negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas,
tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo se da
bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color mientras que
el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y
amarillo.
La luz blanca puede ser descompuesta
en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.
Usos del color en el cine:
El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e
incluso su composición.
El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una
época.
El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para
sugerir y subrayar efectos determinados.
El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente.
Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja,
amarillo) exaltan.
El color y la perspectiva
Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y
los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada
color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío...
Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.
Los fondos iluminados y claros intensifican los colores,
dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto.
Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se
difuminan y pierden importancia en el conjunto.
El color sirve para centrar la atención, favorecer
el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos
momentos.
El sonido,
en física, es cualquier fenómeno que involucre la propagación en forma de ondas elásticas (sean audibles o no), generalmente a través de un fluido (u otro
medio elástico) que esté generando el movimiento vibratorio de un cuerpo.
El sonido
humanamente audible consiste en ondas sonoras que se producen cuando las oscilaciones de la presión del aire,
son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el
cerebro. La propagación del sonido es similar en los fluidos, donde el sonido
toma la forma de fluctuaciones de presión.1En los cuerpos sólidos la propagación del sonido involucra variaciones
del estado tensional del medio.
La propagación del
sonido involucra transporte de energía sin transporte de materia, en forma de
ondas mecánicas que se propagan a través de un medio elástico sólido, líquido o gaseoso. Entre los más comunes se encuentran el aire y el agua. No se propagan
en el vacío, al contrario que las ondas electromagnéticas. Si las vibraciones
se producen en la misma dirección en la que se propaga el sonido, se trata de
una onda longitudinal y si las vibraciones son
perpendiculares a la dirección de propagación es una onda transversal.
La fonética
acústica concentra su interés especialmente en los sonidos del habla: cómo se
generan, cómo se perciben, y cómo se pueden describir gráfica o
cuantitativamente.
Un fotograma es
la imagen obtenida sin la cámara fotográfica, por medio de un proceso que
consiste en la superposición del objeto a registrar sobre el material
fotosensible de placa o de película fotográfica, de modo que el
fotograma es cada una de las imágenes impresionadas de este modo químicamente en
la tira de celuloide.
En el cine se le
llama fotograma a cada una de las imágenes individuales captadas por la cámara
cinematográfica y proyectada por el cinematógrafo; por extensión también se
llama de ese modo a cada una de las imágenes individuales captadas por cámaras
de video y registradas analógica o digitalmente.
Cuando una secuencia de fotogramas es visualizada de acuerdo a una determinada frecuencia de imágenes por segundo se logra generar la sensación de
movimiento en el espectador
TIPOS DE PLANOS
Un plano es la superficie visual en la que un fragmento de la realidad se presenta dentro de los límites de un escuadre TIPOS:
GRAN PLANO GENERAL
Presenta el escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana está ausente o apenas se percibe.
PLANO DE CONJUNTO
Se percibe un grupo de figuras en su totalidad. Presenta relación entre los personajes. Hay varias figuras humanas.
PLANO ENTERORetrata las personas enteras. La figura humana aparece de arriba abajo en el encuadre. Es el plano ideal para describir las acciones físicas.
PLANO GENERAL
Muestra una visión de coonjunto de un ambiente. La figura humana ocupa un tercio del cuadro. Lo demás es escenario.
PLANO DE DETALLE
Representa una pequeña parte de la figura humana o un objeto, enseña algo de forma especial.
PRIMER PLANO
Muestra el rostro de las personas. Trasmite emociones y sentimientos. Permite intuir el estado emotivo del personaje.
PLANO AMERICANO
La figura humana está cortada por las rodillas. Nos aproximamos al personaje . Muestra la expresividad del rostro e insinua algo del escenario.
PLANO MEDIO
Corta a las personas por la cintura. Muestra relación y diálogo. Con este encuadre ya se percibe algo más de expresión en los personajes.
Un plano es la superficie visual en la que un fragmento de la realidad se presenta dentro de los límites de un escuadre TIPOS:
GRAN PLANO GENERAL
Presenta el escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana está ausente o apenas se percibe.
PLANO DE CONJUNTO
Se percibe un grupo de figuras en su totalidad. Presenta relación entre los personajes. Hay varias figuras humanas.
PLANO ENTERORetrata las personas enteras. La figura humana aparece de arriba abajo en el encuadre. Es el plano ideal para describir las acciones físicas.
PLANO GENERAL
Muestra una visión de coonjunto de un ambiente. La figura humana ocupa un tercio del cuadro. Lo demás es escenario.
PLANO DE DETALLE
Representa una pequeña parte de la figura humana o un objeto, enseña algo de forma especial.
PRIMER PLANO
Muestra el rostro de las personas. Trasmite emociones y sentimientos. Permite intuir el estado emotivo del personaje.
PLANO AMERICANO
La figura humana está cortada por las rodillas. Nos aproximamos al personaje . Muestra la expresividad del rostro e insinua algo del escenario.
PLANO MEDIO
Corta a las personas por la cintura. Muestra relación y diálogo. Con este encuadre ya se percibe algo más de expresión en los personajes.
El montaje audiovisual es la unión de los distintos trozos de película para crear una
cinta final (Konigsberg, 2004, p. 327). Consiste en escoger, ordenar y
unir una selección de los planos a registrar, según una idea y una dinámica
determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador.
En vídeo la palabra equivalente es "edición",asegurarse
de que cada uno de los detalles necesarios para una puesta en escena estén
bien.
Ya que de cada escena se hacen varias tomas, y
que existen miles de tomas diferentes en una película, el montaje constituye
una ardua labor. Siguiendo la trama del guion, el montador, en general, tiene
libertad para montar las diferentes tomas realizadas de una escena de la manera
que estime más apropiada. Asimismo, puede utilizar más o menos metraje de
película de cada toma, y decidir cómo enlazar una escena o secuencia con la
siguiente. Por todo ello se considera que el montaje es una de las disciplinas
fundamentales en la realización de una película.
Tipos de
Monteje
Según la
totalidad del relato cinematográfico
·
Montaje narrativo o clásico: cuenta los hechos, o bien cronológicamente o haciendo
saltos tanto al futuro (flash-forward) como al pasado (flash-back y Racconto)
pero siempre estructurándose con la idea de dotarlas de forma narrativa.
·
Montaje ideológico: cuando utiliza las emociones ya sea basándose en
símbolos, gestos, etc.
·
Montaje creativo o abstracto: ordenar sin tener en cuenta una cronología determinada
como recurso cinematográfico, sino como una operación totalmente nueva, que
tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
·
Montaje expresivo: cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las
aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspenso.
Montaje
analítico o externo y montaje sintético o interno[editar]
·
Montaje analítico o externo: con encuadres de planos cortos ("cerrados") y
en general de corta duración. Se analiza la realidad estudiándola por partes.
·
Montaje sintético o interno: en base de encuadres de planos largos
("abiertos") y con frecuencia uso de la profundidad de campo (se ve
en foco tanto el frente, la figura, como el fondo). Se da una visión más amplia
de la escena, sin voluntad de análisis.
El
montaje analítico se construye sobre la premisa de que la información
significativa dentro del plano se da de manera sucesiva, mientras que el
montaje sintético supone focos de interés simultáneos que ocurren, por lo general,
en diferentes cercanías y lejanías a la cámara. Muchas veces los directores
hacen uso de diferentes recursos para jerarquizar estas informaciones. El
sobreencuadre (en la película Ciudadano Kane, de Orson Welles, el marco de
una ventana recorta a Kane jugando con su trineo, mientras que en primer plano
se ve a su madre ceder la tutoría al banquero) es una herramienta que la mayor
parte de las veces ayuda a construir este plano
total con montaje sintético (terminología que
utiliza Bazin en
su libro ¿Qué es el cine?).
Hay
otras formas de dar varias informaciones simultáneas en un mismo plano, y sin
embargo continuar con la lógica de un montaje analítico o externo. El cambio de
encuadre (primero se ve al profesor interrumpir la clase y señalar a alguien,
luego la cámara se mueve y se ve a Lisa salir del aula tocando el saxofón, en
la presentación de Los Simpson), el cambio de foco (de un lado del encuadre
vemos un vaquero a lo lejos y del otro lado del cuadro se observa una mancha en
primer plano, luego el foco se invierte y se ve en foco un arma en primer plano
y una figura amorfa a lo lejos) y las entradas y salidas de personajes del
cuadro, son formas de dar informaciones diferentes dentro de un mismo plano,
pero operando de la misma forma que con un "montaje externo": las
informaciones son sucesivas, no simultáneas, y se presentan analizadas al
espectador.
Alturas, angulaciones y movimientos de cámara
En la realización de una obra
audiovisual, tanto en la grabación como en la edición, existen códigos y reglas
que servirán para crear sentido. Muchos de estos conceptos son compartidos con
la fotografía.
Por ejemplo, una posición de
cámara baja y contrapicada engrandecerá al personaje, mientras que la cámara en
una posición alta y picada dará la sensación de aplastamiento del sujeto.
Un primer plano sobre el rostro
permitirá al espectador identificarse con el personaje, mientras que un plano
general será adecuado para describir el espacio.
Si a todas estas variables de la
imagen fija les sumamos la dimensión temporal, multiplicaremos las
posibilidades expresivas.
tamaños de plano.
Tamaños de plano
Al igual que en fotografía,
deberemos realizar un encuadre al comenzar la toma; esta decisión es tan
importante como en imagen fija. Existe una escala en la cual se toma de
referencia la figura humana para poder identificar los diferentes tamaños de
plano. Estos son:
Plano general: Muestra un
espacio, por ejemplo un paisaje o una habitación, en el que pueden o no haber
personajes. El “gran plano general” muestra un espacio aún más amplio.
Plano entero: Encuadra una
persona de cuerpo completo.
Plano americano: Recorta una
persona a la altura de la rodilla, aproximadamente.
Plano medio: Este tamaño de
plano tiene dos variables más que son el plano medio largo y plano medio corto.
Permiten ver el rostro y parte del cuerpo del personaje, en mayor menor medida.
En fotografía se lo definía como “plano americano”.
Primer plano: Muestra la
cara del personaje.
Primerísimo primer plano: Es
el mayor acercamiento al personaje, encuadrando solamente el rostro.
Plano detalle: Destaca algún
detalle de un elemento o persona.
Esta escala de tamaños de plano
es una convención para poder comunicarse con el equipo de trabajo. Luego, el
encuadre se refinará al momento de la toma.
Alturas de cámara.
Angulación y altura
de cámara
A su vez estos encuadres se
combinaran con las angulaciones y alturas de cámara. Las alturas pueden ser:
Normal: La cámara a la misma
altura de los ojos.
Alta: Por arriba de la
mirada del personaje.
Baja: Por debajo de los ojos
del personaje.
Luego, esta altura puede
combinarse con una angulación:
Normal: La cámara sin
inclinación, con el plano focal paralelo al plano del sujeto.
Picada: La cámara con una
angulación hacia abajo.
Contrapicada: La cámara
mirando hacia arriba.
Cenital: La cámara
completamente perpendicular al suelo, mirando desde arriba hacia abajo.
Supina: Completamente
inverso al cenital, la cámara está desde debajo, mirando hacia el cielo,
también de forma perpendicular al suelo.
A diferencia de la fotografía
este encuadre podrá modificarse a lo largo de la toma, gracias a los
movimientos de cámara.
Angulaciones de cámara.
Movimientos de cámara
Una de las principales
características que nos da el video es la posibilidad de realizar movimientos
de cámara. Éstos pueden clasificarse en dos:
Paneo: Es un movimiento
sobre el eje de la cámara. Puede realizarse utilizando un trípode o con la
cámara en la mano. Utilizando el trípode el movimiento será mucho más fluido y
parejo.
El paneo puede ser horizontal
(izquierda – derecha) o vertical (arriba-abajo). La función del paneo puede
ser, por ejemplo, describir un espacio o acompañar el movimiento de un
personaje.
La elección de una u otra
dirección en el paneo dará un resultado diferente. Por ejemplo, no será lo
mismo comenzar el paneo desde la derecha y terminar a la izquierda que a la
inversa. El paneo de izquierda a derecha generará la sensación de avance,
mientras que el mismo movimiento desde la derecha hacia la izquierda
transmitirá la sensación de retroceso.
Travelling: Es un movimiento
donde el eje de la cámara se desplaza. En general se realiza colocando la
cámara sobre un carro que se desliza sobre vías.
También puede ser de derecha a
izquierda, de adelante hacia atrás o al revés. No es indispensable contar con
un carro para hacer un travelling, puede realizarse con la cámara en la mano,
pero nuestro propio caminar generará, inevitablemente, movimientos no deseados.
Existen algunos grips (accesorios
para el montaje de la cámara), que dan estabilidad, permitiendo realizar
movimientos más fluidos que con la cámara en mano y sin necesidad de un carro
de travelling. Incluso, puede utilizarse una silla de ruedas que, llevada por
un asistente, permite generar una sensación de gran dinamismo. Esta técnica ha
sido usada en la escuela francesa de la Nouvelle Vague
La
narración
Para analizar una película y para comprender
el modelo global de forma y contenido que nos propone, conviene dividirla en
partes (secuencias, escenas,.....) y ver qué función tienen, cómo se
desarrollan formalmente, qué semejanzas o diferencias presentan, si hay
repeticiones o no, qué tipos de unidad y de continuidad construyen,... Se trata
de recrear su proceso:
el desarrollo de los acontecimientos y el modo de comunicarlos con todos los
elementos que componen la película.
Una historia o narración es una serie de
acontecimientos, con un inicio y un final, que transcurren en untiempo,
de los que se hace una exposición ordenada con relaciones causa-efecto, y que se desarrollan en unas situaciones,
en un espacio.
El cine muestra y dice sobre unos
acontecimientos más o menos cercanos a la realidad. Toda película es no-real en
relación a la realidad externa al cine. El reconocimiento de la aproximación a
los hechos reales depende de los conocimientos del espectador. Cuando la obra
es de ficción,
los hechos serán creíbles si suceden de acuerdo a sus propias leyes de género y
estilo.
El cine también habla de cine, con enunciados
propiamente cinematográficos, que pueden ser percibidos por el espectador que
conoce y tiene sensibilidad. Hay buenas películas que muestran claramente este lenguaje y hay buenas películas que lo hacen
poco perceptible. De todos modos siempre hay una relación de sucesos y un modo
de filmarlos.
Generalmente, los acontecimientos suceden a
unos personajes o se desarrollan por medio de
éstos. La historia que se cuenta se compone con los hechos que se presentan (argumento)
y con los que deduce el espectador a partir del proceso de información y de la
forma en que se presentan los segmentos de información.
Cuando se ocultan algunas causas, la
narración crea misterio; cuando se suprime alguno de los efectos, se crea
ambigüedad con la posibilidad de interpretar los hechos. A veces, la
información puede crear curiosidad, sorpresa, expectativas, suspense,...
Una película puede utilizar y crear de formas
diferentes los elementos cinematográficos: montaje, espacio, tiempo, sonido,
puesta en escena,... (ver lenguaje de módulos anteriores) para articular la
información narrativa de los relatos visual y
sonoro. Las imágenes visuales y las del sonido pueden
replicarse dando la misma información (como suele ser en el cine más comercial)
o pueden construir conjuntamente el relato con "voces" más o menos
diferentes, e incluso proporcionar dos relatos distintos.
Puesta en escena
La puesta en escena es un concepto utilizado en cine, televisión y en la práctica teatral. En cine y televisión,
vendría a ser un sinónimo de composición pero aplicado al entorno
audiovisual. En teatro, se entiende por puesta
en escena la labor del director de escena o director de teatro, que consiste en
llevar a la escena un texto dramático convirtiéndolo en una representación
teatral.1
Por extensión y
por influencia del idioma francés (que, en ocasiones y de forma arcaizante,
utiliza la expresión metteur-en-scène para referirse al director de cine) se
utiliza hoy en día para hacer referencia al hecho de que todo lo que aparece en pantalla o en escena está supeditado,
según el caso, a la voluntad del director de cine o realizador, y del director de teatro. Para ser más exactos, la palabra que se debería
utilizar para incluir todo esto en cine es «realización».
Según esta
definición más extensa, la puesta en escena hace referencia a la conjugación de
los elementos que conforman la imagen y la representación teatral, al saber: dramaturgia, interpretación,decorados o escenografía, iluminación, sonido, vestuario y caracterización. También es 1. Elección
de la obra o escena para representar; 2. Conformar la compañía, el reparto y
los roles creativos; 3. Elección de la música y/o coreografías; 4. Análisis
colectivo de la obra (elementos narrativos) y de los personajes; 5. Lectura
neutral, para escuchar la obra; 6. Establecer movimiento escénico con
libreto ; 7. creación de la escenografía, vestuario y utilería ; 8. Ensayos
con texto y movimientos aprendidos; 9. Ensayos con escenografía, vestuario,
música y utilería.
Mundo exterior:
Mundo interior:
Mundo académico:
II) Conocer:
Historia del Arte:
Técnicas:
Apreciar:
Crear:
Expresarse
Conexión entre ejes de aprendizaje:
